Variedades para un mismo fín: Buscar a Wally. Por María Teresa Zazzali.

Variedad de nombres para el mismo fin: buscar a Wally.  

Por María Teresa Zazzali.

Los niños de la generación de los ’80 pasaban horas buscándolo sin parar, no sólo ellos sino también aquellos que eran parte de los ’90. Buscarlo entre tanta gente era un gran y entretenido desafío. Cada mundo en el que había que encontrarlo, era un total y nuevo universo en los que cada objeto que estaba dibujado en las coloridas hojas lograban que el lector, o más bien el explorador, se sintiera parte de aquellas extrañas escenas.

Este personaje de aspecto tan peculiar, aparecía vestido con remera a rayas (blancas y rojas), un gorro del mismo motivo y colores, unas gafas y un pantalón de jean, recorría el mundo a través del tiempo acompañado por el Mago Barbablanca, quien lo ayudaba en cada viaje que debía realizar; Woof  su perro y fiel compañero; Wenda la hermana del protagonista que vestía de manera muy similar a él pero con pollera y medias; Yodlaw quien era la antítesis de Wally pero con vestimenta negra y amarilla.

Wally, fue creado en 1987 por el británico e ilustrador Martin Handford. Fué pedido por un director de arte de la editorial donde trabajaba el cuál le encargó que trabaje sobre un punto focal para localizar al personaje. Luego de mucho pensarlo Handford se basó en los cuadros del pintor renacentista español El Greco (1541-1614) el cuál admiraba como trabajaba en la realización de puntos focales en sus obras. Así nace el primer boceto de Wally.  Si bien Handford se dedicaba a la creación de libros destinados para niños saltó a la fama con un libro con características diferentes, el cual tenía como fin el juego y entretenimiento: “¿Where is Wally?” (“¿Dónde está Wally?”) convirtiendose en su obra más famosa con reconocimiento a nivel mundial cuando la serie de libros de Wally fueron distribuidos en 28 países.

Clásica escena donde tenemos que buscar a
Wally. En este caso en un playa. 

Wally recibe diferentes seudónimos dependiendo del país, Waldo en los Estados Unidos y Canadá, Charlie en Francia, Hetti en India, Willy en Noruega, Jura en Croacia, Holger en Dinamarca, Vallien en Finlandia y Walter en Alemania. A pesar que es nombrado de muy diversas maneras, el libro mantiene la misma función en donde quiera que sea adquirido: entretener. Sin embargo no quedó exento de censura; al contener un dibujo en la que los pechos de una mujer se “veían”, quedó en la lista de libros prohibidos para niños.

Este simpático personaje, aparece en singulares espacios amenos como escenas de grabación de cine, montañas de nieve, playas, fiestas, shows, zoológicos, e incluso un lugar en donde hay una gran convocatoria de personajes vestidos como “Wally”. En cada sketch el protagonista lleva consigo diferentes objetos tales como cámara de fotos, bastón, en seres de camping o libros, todos ellos los termina perdiendo y el lector debe también buscarlos.

En su momento polémica escena donde llevó a retirar 

todos los libros del mercado en Inglaterra debido a  

 las miles de quejas de los padres ingleses. 

Muchas veces los lectores se preguntaban por qué Wally se perdía constantemente; el propio creador declaró que lo concebía como un personaje “muy estúpido”, “Imaginé que la razón por la que estaba perdido era por ser levemente tonto y no saber hacia dónde iba". Entonces se podría decir que el Mago Barbablanca cumplía correctamente su labor de guiarlo a Waldo en cada aventura que realizaba, puesto que siempre se terminaba perdiendo.

El último libro publicado fue en el año 2012 con una edición de los 25  años de Wally. A pesar que hoy en día ya no hay nuevas publicaciones, Wally, Waldo, Valli, Holger, o como quiera ser llamado, logró instalarse.

Martin Handford autoretratado con sus personajes más famosos. 

Pintura de El Greco, una de las influencias de Martín Handford

 en materia de punto focal.

 (Imagen: El Entierro del Conde de Orgaz. 1587) 

ENTREVISTA EXCLUSIVA A LOCOMOTION. por Darío Ojeda.

ENTREVISTA EXCLUSIVA A THE LOCOMOTION CHANNEL. 

El regreso de un ícono de la animación a  las pantallas de Latinoamérica.       

         

Por Darío Ojeda.

Si hablamos de uno de los canales más importantes de animación para adolescentes y adultos de fines de la década del 90 y principios del 2000 en Latinoamérica sin duda nos estamos refiriendo a The Locomotion Channel. Nacido en 1996 de la mano de Hearst Corporation (U.S.A) y Cisneros Televisión Group (Venezuela) hizo base en Miami (U.S.A) y desde allí fue ingresando a las grillas de televisión por cable de los países latinoamericanos y hasta tuvo su versión para España y Portugal en Europa. Su misión fue siempre clara: difundir animación con contenido adulto, experimental y dar espacio a nuevas promesas artísticas. Luego de 9 de años de transmisión y haber generado todo un séquito importante de seguidores el canal pasa a manos de Sony Pictures Television (Japón) en el año 2005 transformándola en un canal nuevo, llamándola “Animax” y con algunos contenidos de Locomotion pero ya nada fue lo mismo. Las nuevas políticas de Sony Television hicieron que el canal termine cerrando sus transmisiones en Latinoamérica (su versión Europa y Asia continuaron hasta el año 2011) . Hoy el equipo original de Locomotion se ha juntado nuevamente y está trabajando, liderado por Rodrigo Piza (gerente de Locomotion 1999-2005), para volver a las grillas televisivas (más probablemente como un canal pago estilo Netflix y con nuevo nombre) lo antes posible. Locomotion eligió Revista Apogeo para brindarnos esta entrevista exclusiva sus seguidores de Argentina. Que lo disfruten.

¿Cuál era el objetivo/identidad de Locomotion y de dónde surgió esa idea?

La identidad de Locomotion surgió del aburrimiento e insatisfacción que sentíamos en aquella época con el mercado masivo de televisión tuvimos oportunidad de utilizar los medios contra si mismos ya que Locomotion tenía necesidad de ser un producto para jóvenes y adultos. El objetivo se puede describir en dos: primero, como cualquier canal, el de crecer y ser efectivo en segundo era más personal, queríamos comunicar y transmitir cosas raras, locas y mensajes subversivos.

En 3 palabras o conceptos, ¿cuáles eran los criterios de selección para elegir las series que transmitía el canal?

Siempre tuvimos en cuenta las series que tuvieran personajes de personalidades fuertes evitando todo lo estrictamente comercial.

Siempre sostuvieron que el doblaje de sus series al castellano (en México, Venezuela o Argentina) era lo más importante y distintivo pero algunos animes (como Nightwalker y Pet Shop of Horrors) eran transmitidos en japonés y con subtítulos, ¿cómo decidían cuáles series doblar y cuáles no?

Era un detractor para ahuyentar a la audiencia infantil y también un factor económico, un balance entre decidir si comprar series o doblarlas por que doblarlas resulta más caro que los derechos de las series. Para nosotros siempre era preferible comprar más series que tener que doblar.

Siguiendo con el tema del doblaje, tenemos una pregunta sobre una serie específica: Duckman. Ya en Latinoamérica el canal USA NETWORK había transmitido esa serie, pero en Locomotion llegó con un doblaje completamente distinto, y eso pasó con muchas series caso El Cabezón o The Maxx ¿a qué se debió el cambio?

Sí. Paramount nos ofreció cambiar el doblaje por que a ellos mismos que son los dueños de la serie no les gustaba ese doblaje con acentos pronunciados. En su momento nos pareció mejor el nuevo doblaje.

La mayoría de los openings y endings de los animes que transmitían estaban en el japonés original (el de Evangelion incluso venía con la letra para hacer karaoke), incluso cuando la serie se doblaba ¿por qué? También hay que anotar que el opening de El Barón Rojo, que sí venía doblado, fue icónico, pero esa fue también una de sus primeras series, ¿a qué se debió el cambio?

El opening de Barón Rojo era muy bueno! Ese fue doblado muchos años antes de que Locomotion lo adquiriera. Lo que sucedía con los openings es que doblarlos era quitarles esencia de lo original, también resultaban infantiles si se doblaban y nuestra audiencia en su mayoría eran jóvenes y adultos. Simplemente no nos gustaba como quedaban doblados y no nos parecía necesario.

¿Alguna vez recolectaron cifras sobre su público? ¿Cuántos veían Locomotion realmente?

 Si, teníamos cifras de IBOPE, ratings muy claros. En edades de 18-35 años marcábamos rating en todos los países donde estábamos en franja de cable básico, nuestro mercado mas importante era Argentina por que teníamos 100% penetración en cable. En el 2005 competíamos constantemente con MTV, AXN y ganábamos siempre a Much Music en franja horaria de primetime en jóvenes adultos.  Honestamente, no sabíamos que hubiera niños viendo por que no aparecían en el rating, en esas edades era muy bajo. Pero el sistema de ratings es una basura que no sirve.

Antes de que el tema Don se convirtiera en un éxito, muchos habíamos escuchado a Miranda gracias a Locomotion. Para ustedes era importante impulsar nuevos talentos musicales y gráficos, ¿le han hecho seguimiento a estos artistas que presentaron en el canal? ¿En dónde se encuentran actualmente?

Si estamos muy en contacto con nuestros amigos de Estatus Discos , Doma y demás creativos, nos sentimos como familia. De hecho entre nosotros seguimos colaborando de forma profesional en cine, TV, arte, musica y demás. Estamos todos regados por el mundo, en USA, Canadá, México, Chile, España, Brasil, Chile, Argentina, Guatemala y así.

Hemos visto que actualmente tienen bastante contacto con los fanáticos (quiero mencionar que cuándo salió su página web a principios del año 2000 era una de las primeras en contar con un chat propio para hacer preguntas y ser respondidas por “Lolita”, una chica misteriosa emblema del canal por mucho tiempo. ¿Qué feedback han recibido en lo que lleva de creada la página en Facebook?

Solo comenzamos a retomar contacto hace un año y fue por que comenzamos a notar mucha movida online sobre el canal y principalmente era para contestar preguntas, aclarar mitos y divertirnos un rato publicando cosas que tenemos guardadas de esa época. Si nos sorprende y mucho los deseos de todos de que regresemos y eso ha evolucionado en una nueva conversación, nos anima oír que todos están abiertos a un nuevo concepto.

Mencionanos  5 serie animadas y 5 músicos actuales que le recomienden a nuestros lectores.

Aquí les recomendamos series que de hecho nos gustaría transmitir: Elfen Lied, Deadman Wonderland, High school of the dead, Ergo Proxi, Texhnolyze, Jojo’s Bizzarre Adventure. En tema musical SOAK, Mujercitas Terror, Richie Hawtin, Grimes, Silverio, Silvertronic, que también esperamos impulsarlas cuándo volvamos.

¿Cómo vá el proyecto retorno actualmente?

Avanzando bien. Es un proceso que lleva tiempo y tan solo hace unos meses decidimos cual es la dirección del proyecto que ahora se está gestando. No es menor pensar en algo así, pero las ruedas están marchando, son muchas dando vueltas.

¿Por qué decidieron regresar precisamente este año?

Creo que los 10 años nos movieron a todos y los medios han madurado al grado que ya es posible hacer cosas las que nos interesan. Nos empuja una nueva generación influenciada por Loco que ahora son profesionales en medios y están muy deseosos de continuar “El Mensaje” y ya estamos colaborando, se ha armado un Team muy interesante y divertido.

Cuando Locomotion regrese  ¿les gustaría retransmitir alguna de las series que pasaron por el canal?

Claro, Evangelion, Saber Marionette, Wolfs Rain, Lain, Ren & Stimpy, Cutlass por mencionar algunas.

Que mensaje quieren dar a los seguidores de Argentina.

Antes que nada agradecerles estar de nuevo en contacto con nosotros, apreciamos su energía, buen rollo y confirmarles que lo que lo que estamos por lanzar es muy real y va en serio.

Esta por renacer el espíritu de Locomotion dentro de un nuevo paradigma y agradecemos su paciencia ya que mucho antes de que termine este año veremos la luz y contarles que este mismo septiembre ya tenemos planeado reunirnos en un bunker para ponerle los últimos detalles al Frankestein.

Muchas gracias por su tiempo y esperamos ansiosos la vuelta de Locomotion.

Gracias  a ustedes por prestarnos atención y estén atentos a las novedades que se vienen!

EVANGELION del afamado Studio GAINAX volvería a la programación. 

ERGO PROXY figuraría entre las grandes novedades del nuevo canal. 

Deadman Wonderland, uno de los estrenos que  está siendo   negociada para la nueva programación de Locomotion

SABER MARIONETTE J sería uno de los esperados regresos.

ENTREVISTA EXCLUSIVA A ENRIQUE "QUIQUE" ALCATENA por Darío Ojeda.

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ENTREVISTA A ENRIQUE ALCATENA.

Por Darío Ojeda.

Enrique Alcatena, “Quique” para los amigos y fanáticos de toda América y Europa, es sin lugar a dudas uno de los historietistas más brillantes que dio nuestro país. Amante de la historia y de las culturas milenarias desde chico supo lo que quería ser: Historietista.  Hoy se ha convertido en un referente obligado para un lector de cómics por su estilo, sus secuencias y las cantidad de horas de trabajo que están plasmadas en cada página e ilustración suya.

Nacido en Buenos Aires en 1957 ha marcado su sello en la historieta argentina y mundial por su estilo surrealista que pasea entre la mitología , lo fantástico y folklórico. 



Cuándo te diste cuenta que querías ser historietista y dibujante?

Cuando era pibe. Fue un flechazo, una epifanía (¡¿?!): aprender a leer, descubrir las historietas, y quedar totalmente subyugado para siempre.

Donde debutaste profesionalmente?

En 1975, recién salido de la secundaria, llevo mi carpetita de muestras a Alfredo Scutti, director de la flamante Ediciones Record, que editaba Skorpio.

Cuáles son tus influencias más estables en tu vida artística. Artístas, personas, música o libros que son una brújula en tu camino.

Algunos nombres fundamentales: Carmine Infantino, Jack Kirby, Lennon&McCartney, Borges, Jack Vance, Steve Ditko, Lucho Olivera, Spinetta, Shakespeare, Robert Graves, Rimbaud, Oswal.

Trabajaste con grandes guionistas argentinos y extranjeros. Que diferencias hay trabajar entre unos y otros.

Ninguna. Los historietistas , más allá de las fronteras y la lengua que hablemos, ya seamos guionistas o dibujantes, formamos una tribu muy particular. La empatía suele ser instantánea y espontánea.

Si hay una característica de tus trabajos son la constante temática de civilizaciones y culturas milenarias como eje de tu estilo. De donde nace tu inclinación hacía la historia y en particular con temas como el budismo e hinduismo.

Ya de chico, por algún motivo (que quizá tenga que ver con la fascinación por lo distante, tanto en el tiempo como en el espacio, y lo diferente, lo pintoresco) devoraba los artículos sobre historia, atractivamente ilustrados, que aparecían en la Enciclopedia Estudiantil de Códex o en el Lo Sé Todo. Desde Egipto y Roma hasta el siglo XVIII (“La Isla del Tesoro” fue la primera novela que leí), desde los mayas y aztecas hasta las Cruzadas, me interesaba TODO...  Descubrí el arte oriental en un libro sobre el tema de mi viejo: lo gasté de tanto mirarlo. Otro caso misterioso de amor a primera vista. Desde otra vertiente, un poco más tarde, llego a las filosofías y religiones orientales a través de los Beatles, especialmente de Harrison. ¡Hare Krishna!

     Trabajás y trabajaste para grandes editoriales como Marvel (Cónan El Bárbaro, X-Man) y DC (Superman, Batman, Flash, Linterna Verde). Que diferencias notás entre los gustos del lector americano y el lector europeo o argentino.

No he tenido experiencia directa o contacto, en general, con lectores norteamericanos. Me da la sensación que han crecido en un  ámbito dominado por el género superheroico, en detrimento de la variedad que siempre ha sido lo que ha distinguido a la historieta argentina y europea.

Si tuvieras que elegir 3 trabajos en las que estás orgulloso de haberlas hecho cuáles serían?

Imposible responder. Es como que te pregunten a cuál de tus hijos querés más.

     Como ves el panorama de la historieta en Argentina actualmente.

Maravilloso. No pude asistir al último Dibujados, pero vi en la web lo concurrido que estuvo, lleno de autores jóvenes mostrando su obra, vendiéndosela a un público ávido: espectacular. Chicas y muchachos historietistas que se las rebuscan  para crear y editar, a los que el colapso de la otrora notable industria editorial no les ha quitado el entusiasmo , la dedicación y el tesón... Que querés que te diga: me levanta el ánimo y me conmueve.

Quiénes son los  historietistas argentinos  respetás y/o admirás.

Muchos, y por diferentes motivos.  No quiero ser injusto nombrando a algunos y dejando a otros fuera, por distracción u olvido momentáneo... Pero tampoco quiero zafar a la pregunta. Dejame afinar la respuesta a un puñadito de nombres: entre los “veteranos”, a Silvestre Szilagyi, porque un montonazo de años de profesión no han mellado su pasión y amor por el medio, y entre los jóvenes a mis admirados compañeros de Tótem cómics: Fer Calvi, Paula Andrade, Lea Caballero y Luciano Vecchio.

Que consejos le darías a todos aquellos que sueñan con ser historietistas y dibujantes algún día y vivir de ello.

Que sigan el ejemplo de todos esos jóvenes historietistas que concurren a dibujados, que contra viento y marea, dejan el alma en lo que hacen.

Muchas gracias Enrique querido.

     Gracias a vos y un saludo grande para todos los lectores de Apogeo. 

Starblazer. "The Triune Warrior". Guión de Mike Chinn
 DC Cómics. 

Página de Acero Líquido con guión de Eduardo Mazzitelli.
Ediciones Belerofonte. 

ENTREVISTA A CARLOS VIVAS (Creador de Triangulito) por Verónica Aquino.

Carlos Vivas. La trama social de sus creaciones

Por Verónica Aquino. 

En una sociedad influida por la cultura yanqui, el artista correntino de 28 años intenta hacer de su arte una manifestación social y puramente correntina. Desde chico se interesó por el dibujo y cuando creció decidió formarse como docente, dejando de lado la idea de “artista mítico”. Conoció a Lita Figueroa, quien marcó el comienzo de su sueño como pintor y también a José Mizdraji, su profesor en el Instituto. Entrevista con Carlos, dibujante, pintor, docente de Artes y autor de Triangulito y Gauchos Vampiros, su nueva historieta para la Revista Apogeo.

¿Cómo empezaste a dibujar en tu niñez?

TRIANGULITO. La emblemática creación de
Carlos Vivas publicada en Revista Apogeo.

Yo tuve una niñez de barrio, salía a jugar a la tarde en la calle, teníamos nuestras fantasías, nuestros mitos y leyendas. Eso es lo que compartimos con Darío, con Fabián, con Pity, quien genera la Feria Under y con Antonio Scappini, que es escritor y se junta siempre con nosotros. Los menciono porque la influencia que tenemos al hacer las historietas es justamente esa niñez particular de barrio. En la época de los ‘90 podíamos dibujar, jugar con juguetes, salir a jugar a la calle o mirar tele, que fue justo cuando apareció el cable… Y son cosas que influyen, la televisión es mala solo cuando uno no sabe cómo mirarla. Todo lo que yo hago ahora tiene esa carga cultural visual. Yo creo que todo artista de hoy es una carga de lo que ve, de lo que le llega a través de los medios y de lo que vive. La cuestión sería cómo tomarlo de forma crítica.

¿Qué fue lo que te motivó a pintar?

Yo de chico dibujaba, no me gustaba pintar, no me gustaban los colores. Era todo lineal, con lápiz negro o birome. En la adolescencia sí me empecé a interesar más por los colores. Y empecé a pintar por la influencia de Lita Figueroa, una artista plástica. Por ahí uno duda y se niega, y ella me saco las dudas al ser alguien que viene de afuera y te dice que es posible, es alguien que ya tenía presencia en el ámbito y me invitó a hacer una exposición de unas pinturas mías.

¿Cómo fue esa influencia de Lita Figueroa?

Yo pintaba con lápices y fibras. Y siendo adolescente me di cuenta de que yo quería incursionar en el arte, quería formarme. Lita trabajaba en la Legislatura con mi papá y él le habló a ella de mí. Una vez cuando fui a la oficina de mi viejo Lita estaba ahí y me dio tres potes de acrílicos: azul, amarillo y rojo, los colores primarios. Y con eso empecé…teniendo siempre en cuenta todo el bagaje cultural y con algunas cosas que me enseñaron en la escuela comencé a pintar y experimentar. En mi adolescencia comencé a buscar una expresión propia, comencé a hacer cosas mías sin tanta influencia de los medios. Llegó un punto en el que comencé a hacer cosas que salían de mí mismo y era muy gratificante.

¿Qué otras influencias tuviste a lo largo de tu carrera?

Cuando decidí estudiar y formarmeconocí a José Mizdraji y él me decía que tal vez entrar al Instituto Josefina Contte no era muy recomendable, porque el Instituto te forma como docente, no como artista. Pero yo quería conocer gente y aprender. Mizdraji fue mi profesor de pintura, él nos daba mucha libertad y a mí me entusiasmaba hacer pinturas que las iba a ver él. En ese tiempo hice muchas pinturas abstractas (porque era la temática) y empecé a experimentar también con lo técnico, por ejemplo llevé la pintura al lienzo en grandes bastidores y aprendí a hacer mis bastidores.

Aparte de ser docente, ¿cómo queda tu vida de artista luego de haberte capacitado?

TAPA DE APOGEO EXTRA Nº1
 a cargo de Carlos Vivas.

Antes tenía el sueño de ser un artista reconocido, pero hoy en día lo que me satisface es el reconocimiento de mis pares. Hoy pretendo meterme en un campo más popular, porque pese a que el Arte tiene muchas intenciones políticas, generalmente el sistema hegemónico lo absorbe y termina en un museo o galería… Y eso ya se s

abe que es propiedad de la clase alta y lo utilizan a su gusto. En cambio, hacer una historieta entre nosotros o hacer muralesme gusta más, porque es visible para un campo de gente mucho más amplio.

¿Cuándo un artista empieza a sentirse artista?

La denominación de artista siempre debe incluir el reconocimiento del grupo. No importa lo que uno haga o cómo lo haga, es el grupo el que lo sube a uno hacia esa denominación de artista o no. Entonces que me digan a mí para que haga una tapa o que me pidan una ilustración para un almanaque y eso hace que ahí si me sienta como un artista… Pero no como el artista del mito, no me interesa eso. Existen personas que se creen artistas y adaptan a su vida un montón de cosas. Para mí, el artista tiene que ser social, porque si no, no es artista.

Entrando de lleno a tu faceta como historietista, ¿cómo nació “Triangulito”?

Lo hice por primera vez durante mi último año de secundaria, en cuadernos donde dibujaba y escribía. Triangulito comienza preguntándose quién es, puede ser visto como un personaje oscuro en el sentido de que quiere conocer su identidad. Y le pasan cosas extrañas, pero tal vez sea lo que le pasa a cualquier ser humano que quiere entender el sentido de las cosas, de la vida, del tiempo y nunca hay respuestas para todo. Triangulito funciona de esa manera, él sigue preguntando y se queda en la nada, pero eso a su vez es lo que hace que continúe.  Lo que me interesó es que logre una narración que tenía mucha tensión y eso fue reconocido.

LOS GAUCHOS VAMPÍROS. La nueva historieta
de Carlos Vivas en Revista Apogeo nº5. 

¿Qué significan los vampiros en tu nueva historieta?

A través de diferentes viñetas yo traté de redondear mi idea de vampiros. Para mí, un vampiro es el hombre que se alimenta de otro hombre, representan la explotación y la violencia. Es como somos nosotros que de alguna manera nos limitamos, pero hay gente que se da rienda suelta para alimentarse de otros. Toda la historieta es una metáfora.

¿Estás trabajando en algún proyecto nuevo?

Estoy haciendo los primeros bocetos de lo que sería una serie sobre terror de barrio o terror correntino. Sería una mezcla de ciencia ficción con terror y elementos locales. Quiero sumarle pinturas chiquitas que pueda vender en alguna feria de cómics. También me gustaría perfeccionarme en lo que se relaciona a la técnica de dibujo y pintura figurativos. Y me encantaría hacer algo de animación o cortometrajes. Darío siempre me habla sobre su sueño de hacer algo así y lo vamos a hacer seguramente.

Vamos a estar en contacto entonces… Muchas gracias Carlitos.

Carlos Vivas posando con su genial creación: Triangulito. 
Fotografia de Iván Chávez.